20.02.2026 - Verdi: Macbeth - Teatro Regio di Torino

Il 20 febbraio sono stato per la prima volta al Teatro Regio di Torino per vedere un capolavoro di Giuseppe Verdi che mancava in città da otto anni: Macbeth. Era già di per sé una serata importante, ma lo è stata ancora di più perché sul podio c’era Riccardo Muti, che ormai dirige opere liriche complete, con tanto di regia, praticamente solo qui a Torino.

Macbeth è la decima opera di Verdi: la scrisse nel 1847 e debuttò al Teatro della Pergola di Firenze. Per capire perché non volle presentarla alla Scala ma proprio a Firenze, basta leggere una lettera che scrisse a Giovanni Ricordi in quel periodo. In pratica Verdi accetta il contratto per l’opera a Firenze, però mette una condizione precisa: non vuole che Macbeth venga rappresentato alla Scala. Il motivo lo dice chiaramente lui stesso: aveva già visto troppe volte le sue opere montate male lì e non si fidava più. Cita esempi concreti, come le brutte messe in scena de I Lombardi alla prima crociata, di Ernani e de I due Foscari, e si lamenta anche di Attila, che secondo lui era stato realizzato nel peggiore dei modi possibili. Il successo, comunque, fu enorme. 

Prima di iniziare, Muti si è girato verso la sala e ha detto poche parole, però molto dirette. Ha ringraziato tecnici, maestri collaboratori e tutte le persone che lavorano dietro le quinte. Poi, ha voluto salutare soprattutto i più giovani presenti in sala, dicendo che il pubblico di oggi deve diventare quello di domani e che senza cultura non si va da nessuna parte. In seguito, ha affermato che il pubblico non deve assistere allo spettacolo "perché c'è Muti", ma per la congiunzione tra  Shakespeare e Verdi, per far capire che non stavamo semplicemente assistendo a un’opera qualsiasi. Ha insistito sul fatto che la musica non serve solo a intrattenere: dovrebbe lasciare qualcosa dentro, arricchire chi ascolta, anche spiritualmente. 

Dunque passiamo all'esecuzione. Nel ruolo del protagonista c'era Luca Micheletti, a cui ho già assistito a qualche sua performance, sia come attore (Aiace di Sofocle al Teatro Greco di Siracusa) che come baritono (Don Giovanni di Mozart al Teatro Massimo di Palermo). Questo dualismo si è riscontrato nell'esecuzione complessiva: ha costruito un Macbeth molto teatrale, con più attenzione alla parola, agli accenti e al personaggio, nonostante comunque un'eccellente potenza vocale. Non ha puntato su un tiranno gigantesco e imponente, ma su un uomo già fragile dentro, e questa idea, giustissima, si è sentita per tutta l’opera. Nel duetto del primo atto con Lady Macbeth ha lavorato bene sul fraseggio: il suo Macbeth sembrava incerto, quasi trascinato dalla moglie più che davvero deciso; non era esplosivo, piuttosto nervoso, e le mezzevoci nei punti più insinuanti funzionavano bene. Nel Brindisi del secondo atto, invece, si capiva bene il doppio piano della scena: da una parte il re che deve mostrarsi sicuro, dall’altra il crollo interiore.  Nella scena delle apparizioni ha scelto una lettura più introspettiva che visionaria: meno furia e più inquietudine; come idea psicologica funzionava, anche se musicalmente si poteva desiderare un po’ più di slancio drammatico. Nel duetto finale del terzo atto invece la voce girava meglio e il confronto con Lady risultava teso e compatto, con accenti ben marcati. Il punto culminante è arrivato nella scena e aria “Perfidi! All’anglo contro di me v’unite” - “Pietà, rispetto, onore”: qui l'emozione è salita, e non solo per il testo e la musica, ma anche per Micheletti, il quale ha trovato un colore più nobile e stanco, rendendo bene il lato crepuscolare del personaggio. 

Nel ruolo di Lady Macbeth troviamo Lidia Fridman, che torna al Regio dopo Un ballo in maschera trionfante del 2024, e che ha offerto una prova molto intensa, costruita su un’idea precisa: non solo una figura demoniaca, ma una donna lucidissima, fredda, quasi calcolatrice. Già nella scena iniziale, “Nel dì della vittoria io le incontrai…”, dove tra l’altro è stata fatta la scelta di regia non così scontata, si è messa parecchio in gioco; la dizione italiana non era sempre perfetta, però l’intenzione teatrale c’era e si sentiva che lavorava molto sulla parola. In seguito, con l’attacco di “Vieni! T’affretta!”, è cambiato tutto: qui Fridman ha trovato davvero energia, slancio e proiezione: la voce usciva più sicura, gli acuti erano taglienti e l’invocazione agli spiriti aveva una tensione quasi febbrile. Anche in “Or tutti sorgete” ha tenuto alta la carica, con ritmo preciso e una cabaletta dominata con grande controllo. Nel duetto del primo atto con Macbeth si è imposta subito: era lei a guidare la scena, anche vocalmente, con accenti incalzanti e un fraseggio che spingeva il partner all’azione. Si è fatta notare anche nel Finale del primo atto, dove riusciva a emergere bene sopra il coro senza perdere incisività. Nella scena e aria “Perché mi sfuggi?” ha mostrato invece il lato più insinuante del personaggio, lavorando su dinamiche più sottili e su un colore vocale più scuro. La scena del sonnambulismo l’ha costruita con incanto: niente effetti esagerati, ma un suono che si svuotava piano piano, con filati curati, una sensazione di crollo psicologico molto credibile e una presenza scenica quasi inquietante (in senso positivo, cioè riuscendo nell'intento).

Giovanni Sala, anche se ha una parte piuttosto breve, è riuscito comunque a lasciare un’impressione chiara, soprattutto nel quarto atto, dove Macduff diventa davvero importante sul piano drammatico. Nei primi due atti si vede poco: nel Finale del primo e del secondo atto è più una presenza dentro l’insieme che un personaggio in primo piano, ma la situazione cambia nel quarto atto. Nella scena e aria “O figli, o figli miei!” - “Ah, la paterna mano” ha dato il meglio: il timbro luminoso e la linea di canto pulita funzionavano molto bene nel lamento di Macduff. Non ha calcato la mano su effetti troppo veristi o strappalacrime, ma ha tenuto un fraseggio nobile e musicale; l’aria è uscita composta, sostenuta bene nel fiato, con un legato curato e accenti sinceri. Nella scena e nel coro successivi è rimasto su questa linea, integrandosi bene nel suono d’insieme senza sparire. Nell’"Inno di vittoria" si è fatto notare per slancio e chiarezza, contribuendo a dare energia alla chiusura dell’opera.

Maharram Huseynov (all'annuncio della stagione era previsto Ildebrando D’Arcangelo) ha affrontato Banco con serietà e senso dello stile, anche se la parte non è lunghissima. Nei pezzi d’insieme la sua presenza restava abbastanza contenuta e al servizio del quadro generale. Il momento decisivo era, ovviamente, l’aria “Come dal ciel precipita”: qui il basso ha offerto una lettura musicalmente corretta; il timbro scuro e compatto si adattava bene al carattere profetico del brano, la linea di canto era sostenuta con sicurezza e il fraseggio mostrava attenzione al lato più nobile e presago del personaggio. Nel complesso, l'esecuzione è risultata pulita, coerente e stilisticamente rispettosa di Verdi.

Un accenno va fatto anche alle altre numerose voci, con una parte da comparsa: la dama di Lady Macbeth, Chiara Polese, Malcolm, Riccardo Rados e il medico, Luca Dall'Amico. Altri ruoli, invece, sono affidati ad artisti della "Regio Ensemble", quali Eduardo Martínez, un domestico, Tyler Zimmerman, il sicario, e Daniel Umbelino, l'araldo.

La direzione di Riccardo Muti sembrava basata su un’idea molto precisa di Macbeth: meno spettacolo fine a se stesso e più attenzione al lato teatrale e drammatico. Anche dall’orchestra si capiva che voleva evitare, come dice lui, "zumpappà": per esempio, le trombe non avevano quasi mai un suono squillante, come invece si ha in varie esecuzioni, Il Preludio lo mostrava già bene, perché i tempi erano contenuti, atmosfera cupa ma non pesante, archi compatti e una costruzione che puntava più sulla tensione interna che sul tragico immediato. Anche nell’Introduzione con il coro delle streghe “Che faceste? dite su!” si sentiva questa linea: orchestra nervosa ma asciutta, coro preciso, quasi scolpito ritmicamente, senza effetti caricati. Nella stretta finale la concertazione funzionava molto bene, con un crescendo controllato e pulito. Il Finale del primo atto è stato uno dei momenti migliori della serata, nonché il climax dell'opera: qui Muti ha lasciato crescere davvero il suono, facendo esplodere l’insieme ma senza perdere chiarezza. Orchestra, coro e solisti erano incastrati alla perfezione e tutta la tensione accumulata trovava finalmente uno sfogo forte ma sempre disciplinato. Un altro punto molto riuscito, insieme al balletto del terzo atto, è stata tutta la sezione centrale di quell’atto. Nel coro iniziale e nell’incantesimo delle streghe si sentiva il lavoro sul colore orchestrale: legni molto presenti, archi scattanti, percussioni sempre controllate; il balletto, spesso omesso per esigenze di regia, qui aveva invece una sua struttura e respirava musicalmente, con l’orchestra elastica e attentissima anche al rapporto con il corpo di ballo, integrato davvero nella scena. Il coro, poi, ha avuto una prova molto solida: “Patria oppressa!” è stato probabilmente il momento corale più riuscito, con un fraseggio ampio, dinamiche ben gestite e una tristezza composta, senza retorica. Nel finale del quarto atto la concertazione ha ritrovato slancio ed energia: le masse si muovevano con sicurezza, l’orchestra sosteneva senza coprire e il coro restava compatto fino all’ultima battuta.

Il punto della serata che convinceva meno era la regia di Chiara Muti: interessante per atmosfera e immagine generale, ma non sempre precisa nelle scelte teatrali. Fin dall’inizio, la scena ricordava il film-opera di Claude D’Anna per Deutsche Grammophon: pietra scura, superfici rovinate, un impianto visivo suggestivo e coerente con il clima tragico. I problemi stavano più nei movimenti scenici e nel rapporto con quello che succede musicalmente: per esempio, quando il coro canta “S’allontanarono!”, Macbeth e Banco sono ancora lì in scena e se ne vanno verso il fondo senza un vero confronto con le streghe; si crea uno scollamento abbastanza evidente tra musica e azione. Ancora meno convincente l’ingresso di Lady Macbeth senza la lettura della lettera: è un dettaglio semplice ma fondamentale per capire subito il personaggio, perché vedere lei che parla e basta non rende molto. Sfortunato, poi, anche l’episodio nel Finale del primo atto: il velo che doveva cadere resta impigliato nella scenografia e a un certo punto entra una figura vestita di nero per sistemarlo; peccato che inciampa e per qualche secondo anche i protagonisti si girano. Molto più riuscita invece la morte di Banco, ucciso da scaglie di cristallo: poco realistica, ma visivamente forte e coerente con l’estetica simbolica dello spettacolo. Funzionavano bene anche il finale del secondo atto, buona parte del terzo (anche se il balletto sembrava davvero messo lì senza grande senso) e il quarto, dove la regia ritrovava una certa unità e più forza. Infine, da segnalare in positivo i costumi di Ursula Patzak, molto curati e perfettamente in linea con l’impianto visivo, eleganti senza essere decorativi.

Applausi per tutto il cast, con ovazioni per il coro, Fridman e Micheletti, e con applausi rumorosissimi per Muti. Peccato però che, nonostante lo spettacolo riuscito, a tratti l’atmosfera sia stata rovinata dal pubblico: quest'ultimo chiedeva in continuazione l'applauso, spesso a scena aperta e mentre la musica non era ancora finita. Dopo ho saputo che si trattava di una scolaresca di conservatorio, cosa che mi fa soprendere: dovrebbero essere i futuri musicisti, quando in realtà sono i primi che non sanno un bel niente di questo mondo.

★★★★☆